Оригинальный стиль оп-арт (op-art - сокращение от optical art - оптическое искусство) буквально взорвал моду, родившись из одноименного течения в живописи.
Стиль родом из 60-х
Чем характерны 60-е прошлого века? Пожалуй, главное - торжеством духа свободы и, как следствие, мини-юбками, синтетическими тканями и первой авангардной рекламой. Поэтому именно тогда родилось несколько нетривиальных стилей, которым суждено было перевернуть представления о моде. В то время появился и оп-арт. Отцом его был парижский художник Вазарели, который применял особую печатную технику многократного нанесения слоев краски, создавая трехмерное пространство с помощью оптической иллюзии. В основе оп-арта - линии, треугольники, квадраты, круги… затейливо переплетенные, рождающие новые формы.
Иллюзорный эффект принта
Кто-то категорически отрицал футуризм оп-арта, не приемля его «искусственности» и иллюзорности, но некоторые, наиболее смелые кутюрье всерьез заинтересовались столь необычным эффектом и воплотили его в своих работах. Андре Курреж, Мэри Куант, Ларри Олдрич охотно использовали оптический эффект новых принтов в своих моделях.
Яркая геометрия
Оп-арт прекрасно чувствует себя сегодня в молодежной одежде - взгляните на коллажи или изображения легенд стиля на майках, сумках. Яркая геометрия - любимая тема некоторых поп-звезд, да и мэтры, например Франко Москино, увлечены оп-артом. А вот в обычной жизни с ним надо поосторожнее. Достаточно одной-двух вещей или аксессуара с «иллюзорным эффектом», look в сплошном оп-арте хорош только для самых юных, стройных и смелых. Главное - не переборщить. Вот несколько моделей и образов от Burda в стиле оп-арт, которые внесут в ваш привычный гардероб яркую, эксцентричную нотку и подарят отличное настроение.
Гае Ауленти
Родилась в Италии в 1927 году.
Выдающийся архитектор и дизайнер.
В 60-е годы преобрела известность как дизайнер, создав несколько ярких работ. Популярная концепция кинетики отражена в проекте столика Tour Fontana Arte (1970).
В 1985 году совместно с Пьеро Кастильони Ауленти разрабатывает системы освещения Cestello. Во внешнем виде этих мощных и уникальных светильников тоже можно угадать черты оп-арта.
К тому же они были разработаны специально для выставочных залов и музеев.
Разработка ваз для цветов
Широ Курамата (1934-1991)
Японский дизайнер и его коллеги-соотечественники во многом составляли поколение выдающихся революционеров в дизайне.
В 1970 году создает необычную форму для комода и называет свое творение Drawers in the Irregular Form.Технология была сложной,поэтому только спустя 18 лет его стал выпускать компания Capellini.
Кресло How high is the moon спроектировано в 1986 году и носит очень поэтичное название - “Как высока луна”.Сетка - излюбленный материал Курамата. Холодный блеск ячеек напоминает о ночном свете луны.
Другие имена (утверждать, что на эти творения повлиял в большей степени оп-арт - смело. Пожалуй, приемы оптического искусства выражены здесь, но не сам чистый стиль 60-х).
А. Тейлор. Kофейный столик Butterfly
И наконец, моя любимая тема
В 60-е годы молодежь стремилась к свободе и раскрепощенности.Отныне парни и девушки хотели выглядеть ярко и экстравагантно.Острый контраст черно-белых пятен, привлекающий внимание принт - всё это оставляло незабываемое впечатление.Оп-арт как нельзя лучше выделял яркую индивидуальность из толпы.
Пожалуй, самыми ярыми поклонниками оп-арта были моды.
Моды - или иначе “модернисты” - как первая субкультура появились в Лондоне в начале 60-х. Они отличались излишним позёрством, гоняли на скутерах по улицам Лондона,позиционировали себя как людей с уникальным вкусом. Моды первыми узнавали о новинках в сфере дизайна, музыки и искусства, считали своим долгом окружать себя стильными вещами.
Излюбленной темой английских стиляг был оп-арт.Оригинальные фотографии модов. 60-е годы
Стиль модов до сих пор единодушнопризнается стилем шестидесятых, выраженный в одежде.
Стиль мод интернационален.Он также популярен у нас в России.В Москве проходят весёлые вечеринки модов,на которые пускают исключительно в одежде в стиле шестидесятых.
60-е ассоциируются с именем модельера Мери Куант. Молодая англичанка, вращающаяся в кругах стильной молодёжи Лондона,остро чувствовала дух времени.Все лучшие тенденции в одежде модников она воплотила в своих моделях. Хотя, по сути, новая мода -очень короткие платья и пальто,геометрические рисунки и плоская обувь - была рассчитана только на молодых и стройных,к концу 60-х все женщины одевались подобным образом.Молодость стала культом.
Знаменитый парикмахер Видал Сассун делает актуальную прическу Мери Куант
Bazaar -первый магазин одежды Мери Куант в престижном районе Лондона Челси
Мери Куант изначально использовала в своих моделях акутальный рисунок.
Крупные контрастные узоры лучше всего подходили для платьев прямого и А-образного силуэтов.
В одно и то же время в Америке проходят гастроли культовой среди модов группы The Who и выставка The Responsive Eye.Моментально произошло слияние американской и европейской культур. Оп-арт отныне стал бешено популярным среди европейских модников.
В 1966 году компания Scott Paper Company изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе.За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.Бумажное платье, бесформенное и непривлекательное,не было изобретением, к которому можно отнестись серьезно, но женщины удивили компанию, заказав полмиллиона этих платьев в течении года.Многим пришлось по вкусу платье, которое можно легко “перекроить” просто ножницами,а также не жалко выбросить, если оно испачкалось.
Принт из оптических узоров - один из самых популярных рисунков на бумажных платьях.
Бриджет Райли и Виктор Вазарели придерживались противоположных взглядов,
когда дело касалось коммерциализации их работ. В то время, как Вазарели считал,что искусство оп-арт должно быть доступно каждому и художники должны даже сотрудничать с текстильными фирмами, Райли раздраженно реагировала на то, что ее работы используют в коммерческих целях. Она считала, что ее искусство превращают в “вульгарные тряпки” и однажды публично выразила негодование одной нью-йорской марке.Она подала иск в суд, но безуспешно.
Пожалуй, новое искусство первыми оценили текстильщики. Фирмы по производству тканей,нанимали молодых художников для разработки актуальных орнаментов. Новые возможности синтетики (прозрачность, блеск,пластиковые материалы), ее оптические свойства позволяли лучше выразить модные тенденции.
Барбара Браун.
Рисунок для ткани “Экспансия”. Фирма Heal`s. 1965
В 60-е появился знаменитый черно-белый рисунок клетки, который у нас носит название “куриная лапка”.Действительно, структуру клетки составляют элементы-модули, по очертаниям похожими на птичий след. Этот рисунок актуален до сих пор, и часто используется в классической одежде высокого качества. Он же украшает упаковку туалетной воды Miss Dior от марки Christian Dior.
Возможно, именно мотивы оп-арта повлияли на стиль марки Missoni. Итальянская фирма была основана в 1953 году.
Дизайнеры Дома Missoni любят обыгрывать тему оп-арта в разработке текстиля.
Оп-арт когда-то в середине 20 века вызывал шок и удивление.Теперь он стал классикой и многие дизайнеры сейчас находят вдохновение в его черно-белых абстракциях.Целые коллекции одежды посвящаются этому удивительному искусству.
Модели из коллекции осень-зима 2009-10 года молодого дизайнера Кашио Кавасаки посвящены творчеству Бриджет Райли.
К теме оп-арта любит обращаться российский дизайнер Вячеслав Зайцев.
Несколько моделей из коллекции весна-лето 2009 были представлены
на Российской Неделе Моды в Москве.
Шестидесятые стали десятилетием молодежных субкультур, эксцентричной "бумажной" и "пластиковой" моды и минимализма. Европейские и американские подростки протестовали против политики своих государств, демонстрируя негативное отношение к обществу потребления с помощью одежды из секонд-хэндов. Игнорирование молодежью дизайнерских моделей не помешало громкому дебюту Ива Сен-Лорана и Валентино Гаравани, также пришедшемуся на "безумные шестидесятые". "Если вы помните 60-е, значит, вы тогда не жили", — говорил продюсер группы The Doors Дик Вулф.
"Чем безумнее - тем лучше!"
Пожалуй, самым экстравагантным направлением моды 1960-х стал космический стиль. В 1961 году , и это повлияло не только на развитие науки, но и на моду. Дизайнеры были вдохновлены новыми перспективами и стали создавать причудливые, "инопланетные" модели. Первопроходцем в "космической моде" был дизайнер Андре Курреж, поклонники которого носили лунные ботинки и солнцезащитные очки в форме теннисных мячей. Курреж создавал короткие, похожие на детские, платьица, украшая их сверкающими пайетками и необычными аксессуарами.
Для подобных моделей более подходящими оказались искусственные, а не натуральные материалы - синтетика, пластик, винил. Модельеры украшали платья виниловыми пластинками и ими же скрепляли элементы купальника. В качестве материала использовался и металл. Конечно, сияющие комбинезоны, шлемы причудливой формы и щиты для глаз не прижились на улицах, однако подиумы в то время пестрели необычными "космическими" моделями, над созданием которых работали известные модельеры и .
Мода на синтетические волокна плавно переросла в тенденцию создавать одежду из материалов, ранее использовавшихся в совсем иных целях. Дизайнеры экспериментировали с материалами, изготовлявшимися для космических скафандров, спортивной одежды и военной формы. Модели дефилировали по подиумам в одежде из винила и дакрона, которая на фоне консервативной парижской моды предыдущих десятилетий выглядела сверхоригинально и даже революционно. Эксцентричность предложенных дизайнерами нарядов считалась плюсом - для многих 1960-е прошли под девизом: "Чем безумнее - тем лучше!". Наряду с "пластиковой" и "виниловой" тенденцией в этот период в мире моды протекал и "бумажный бум".
В 1966 году в США фабрика Скотта помимо бумажных предметов обихода стала выпускать и одежду. Бумажные модели были двух расцветок - черно-белые и желто-черно-красные. Коллекцию назвали "Взрыв цвета" и рекомендовали менять при помощи ножниц, а чинить, используя лист бумаги. Надевать подобное платье можно было до пяти раз, а продавались модели "бумажной" моды в специальных магазинах. Производители представляли новые костюмы как воплощение блестящей новаторской идеи и произведение современного искусства.
Уловив новую тенденцию в массовом производстве, бумажные модели стали создавать и дизайнеры. "Бумажными кутюрье" журналисты и публика окрестили Элизу Дэббс и Гарри Гордона, выпускавших платья по три доллара за штуку. Однако не все дизайнеры были столь демократичны - зачастую цены на бумажные модели могли сравниться с кутюрными нарядами. В Нью-Йорке, на Мэдисон-авеню открылся бутик "Парафеналия", где продавалась супермодная пластиковая и бумажная одежда. "Тот, кто с пафосом относится к одежде, отвратителен. Ведь это всего лишь одежда. Она должна быть смешной, ее нельзя воспринимать серьезно", — озвучил настроения в молодежной среде один из основателей "Парафеналии" Пол Янг, сооснователем культового бутика был .
Искусство в моде
На фоне популярности картин "Зеленые бутылки кока-колы" и "Банки супа "Кэмпбелл" Уорхол начал переносить свои знаменитые рисунки и на ткань. Создавая одежду по собственным эскизам, он выпустил ставшие популярными платья "Бутылка", "Хрупкость", рубашку "Суп "Кэмпбелл". Рисунки в стиле поп-арт использовали в своих моделях и другие дизайнеры, сделав многократное перенесение привычных объектов на ткань одной из самых ярких тенденций моды 1960-х.
Если влияние кинематографа на моду ощущалось и в предыдущие десятилетия, то живопись проникла в фэшн-индустрию как раз в шестидесятые. Еще одним течением, которое нашло широкое отражение в массовой одежде, стал стиль оп-арт. Картины, выполненные в этом стиле, строились на световых эффектах и контрасте черного и белого цветов. Тенденция выражать человеческие чувства с помощью оптических эффектов появилась в 1950-х, а повсеместное распространение получила уже в середине 1960-х. Черно-белые контрастные полотна зачастую вызывали у зрителей головокружение, а модельеров стиль оп-арт привлекал графической простотой и новизной. Обычно подобные модели одежды были простого кроя, что, впрочем, с лихвой компенсировалось изображенными на ткани искаженными геометрическими фигурами, стилизованными кругами и монохромными спиралями и полосами. "Новая волна рисунка на ткани получила название оп-арт. Основой дизайна становятся современная архитектура и живопись. От романтизма не осталось и следа", — писал в 1966 году журнал Neue Mode.
Новая, в чем-то эксцентричная мода была крайне популярна у подростков. Среди модельеров, вдохновлявшихся новыми течениями в живописи, были Лари Олдрич, Андре Курреж, . Последний в 1965 году представил публике коллекцию, основанную на творчестве одного из основоположников абстрактной живописи Пита Мондриана. Модельеры предлагали огромное разнообразие безумных аксессуаров и цветовых контрастов, однако именно противопоставление черного и белого стало настоящим хитом десятилетия. Начиная с 1960-х годов, дизайнеры постоянно черпали идеи в других видах искусства, подтверждая тем самым, что красота - категория не постоянная, а переменная.
"Радикальный шик" и стиль субкультур
Наряду со столицами мировой моды Парижем и Миланом в 1960-х годах свой стиль стал диктовать Лондон. Ведущие издания называли английскую столицу новым центром стиля и моды, а британские дизайнеры наперекор консервативному Парижу предлагали экстравагантные модели, которые стали настоящим символом десятилетия.
После окончания Второй мировой войны и преодоления кризиса финансовая ситуация в европейских странах начала улучшаться. Молодые люди уделяли больше времени музыке, кино и прочим развлечениям. Так в лондонский стиль проникла американская мода на джинсы и косухи, а эмигранты из бывших британских колоний привнесли в столицу Англии стиль западной Индии. Новое направление, сформировавшееся под влиянием самых разных веяний и культур, было ориентировано преимущественно на подростков. На улицах Лондона в то время можно было встретить как молодых людей в этнических нарядах, так и "бунтарей" в футболках и потертых джинсах. В 1966 году журнал Time Magazine опубликовал статью под заголовком "Лондон — город свинга". В конце десятилетия на экран вышли фильмы, отразившие революционный дух того периода: "Фотоувеличение" Микеланджело Антониони и "Спектакль" Николаса Роуга. В это же время на Карнаби-стрит, ставшей культовым местом "свингующего Лондона", появились магазины розничной торговли. В 1960-е бутики предлагали молодежи революционные модели, и эта улица прославилась на весь мир как центр независимой моды.
Бунтарские настроения пятидесятых перекочевали и в шестидесятые. В этот период даже подростки из состоятельных семей одевались в секонд-хэндах, подчеркивая свою исключительность и протест против общества потребления. В крупных городах популярными стали рынки с ретро-одеждой, подростки не боялись сочетать старомодные вещи из разных эпох, не заботясь о моде. В то время как обеспеченные молодые люди демонстрировали свою принадлежность к субкультуре, намеренно надевая старые вещи, для подростков из бедных семей эта тенденция стала возможностью соответствовать веяниям и не тратить деньги. Бунтарский дух, однако, был высмеян многими журналистами, которые называли стилизованную бедность насмешкой над бедностью реальной. Американский писатель Том Вулф отзывался о молодежи, как о капризных детях, играющих в революцию, а сам стиль одежды назвал "радикальным шиком". Модельеры же, пытаясь угодить изменившимся вкусам, начали создавать модели в стиле 30-40-х годов, однако дизайнерская одежда "под ретро" не пользовалась большой популярностью - контркультура игнорировала моду.
Отказ от стиля леди и всех тенденций, популярных в предыдущие десятилетия, привел к самому яркому и массовому движению второй половины шестидесятых - хиппи. Пропагандировавшие любовь и мир, несогласные с политикой своих государств "дети цветов" облачались в экзотическую одежду, привезенную из других стран: южноамериканское пончо, индийские туники и головные уборы эскимосов. Яркие и обильно расшитые наряды хиппи дополняли массивными украшениями - в основном, индийскими браслетами и поясами. Философия хиппи стала настолько популярной, что многие модельеры констатировали закат функционализма. "В отличие от романтического стиля и стиля ар-нуво, фольклорный и спортивный стили вкупе с пестрыми мексиканскими одеждами пользуются сегодня необычайным успехом", — писал журнал Neue Mode. Необычные, яркие и притягательные индийские мотивы захватили в 1960-е всю Европу и Америку, а молодежь теперь носила куртки "йети", пестрые юбки, расклешенные брюки, турецкие шаровары, расшитые рубашки и шубы из длинного меха. Несмотря на то что сами представители субкультур скептически относились к моде, глянцевые издания писали о том, что новый стиль заслуживает пристального внимания и способен оказать серьезное влияние на фэшн-индустрию.
В конце десятилетия яркая психоделическая одежда из искусственных материалов отошла на второй план, а настоящим хитом стал стиль милитари. Использование военных вещей в повседневной жизни тоже было своеобразным протестом, последовавшим за прокатившимися по Европе протестами 1968 года: так молодежь пыталась придать одежде, предназначенной для сражений, мирный характер. Камуфляж с грубыми заплатками украшали символами мира, юбки и туфли в стиле милитари разукрашивали в красный и розовый цвета. Такую одежду носили представители самых разных субкультур, а особенно популярны были куртки больших размеров с символами воздушной авиации США. Тогда же модельеры начали экспериментировать с оливково-зеленым цветом, получившим название хаки.
Тенденция к минимализму и главный символ десятилетия
В 1960-е широкое распространение получила одежда из эластичных тканей. Мысль о том, что иметь в гардеробе много вещей неудобно и что женщины вполне смогут обходиться всего несколькими базовыми моделями, посещала модельеров еще в 1930-е и 1940-е годы. Клэр Маккарделл в 1934 году предложила сменить все разнообразие фасонов и моделей на несколько основных элементов, а в начале следующего десятилетия она первой создала леотар — трико с длинными рукавами — и сделала его основой образа. Базовыми вещами гардероба модельер считала черную водолазку и колготки. По-настоящему популярной идея комбинации нескольких простых вещей стала в шестидесятые, когда женщинам предлагалось иметь в гардеробе лишь топ, жакет, юбку и брюки.
Сведение количества одежды к минимуму в этот период стало возможным благодаря появлению эластичных тканей. В 1960-е модельер Джорджио ди Сант-Анджело начал искать новые способы создания тканей. Он работал с шерстью и акриловой нитью, а также изобрел эластичный шелк, который мог растягиваться в любом направлении. Из эластичного шелка и лайкры шились и купальники, и вечерние топы. Художник по костюмам Жак Фонтерей в 1968 году писал: "Я уверен, что трико или одна из его разновидностей станет основным элементом одежды будущего". Фонтерей оказался прав: именно эластичные модели 1960-х послужили основой для создания современной одежды — от спортивных костюмов до вечерних нарядов.
1960-е стали очередным десятилетием, полностью изменившим представления о стандартах женской красоты. Если после войны модельеры ориентировались на матерей семейства и женщин с формами, то в шестидесятые в моду вновь вошла андрогинность, а символом новых стандартов привлекательности стала знаменитая . Худощавая девочка-подросток с наивно раскрытыми глазами появлялась на обложках ведущих глянцевых изданий, а девушки по всему миру стали соблюдать жесткие диеты, желая походить на своего кумира. Твигги стала первой моделью, чей образ воплощал идеалы десятилетия, модельеры создавали одежду для очень худых девушек с мальчишескими фигурами. В модных журналах и на плакатах она появлялась в мини-юбках и платьях от Мэри Квант и воплощала "кукольный" стиль, необычайно популярный в 1960-х. Наряду с поклонниками у Твигги были и недоброжелатели - многие журналисты называли ее болезненно худой и "голодной" девочкой, однако это не помешало распространению моды на андрогинность - в шестидесятые мужчины часто ходили с длинными волосами, а молодые женщины предпочитали короткие стрижки и платья-мини, таким образом выражая нежелание взрослеть.
Громкие дебюты 1960-х
Шестидесятые стали началом гениальной карьеры , который громко заявил о себе уже в начале десятилетия. В 1957 году, после смерти Кристиана Диора, 21-летний Сен-Лоран занял место креативного директора Дома Dior. Однако уже в 1960 году юный модельер создал свою последнюю коллекцию для бренда: руководители Dior решили, что молодой дизайнер не вправе навязывать поклонникам высокой моды уличный стиль, и распрощались с Сен-Лораном. Через два года кутюрье выпустил первую коллекцию под собственным именем, для которой создал двубортный блейзер с золотыми пуговицами и шелковые брюки. Позже сам модельер и многие другие дизайнеры использовали эту модель.
Ив Сен-Лоран был одним из первых модельеров, не побоявшихся создавать революционную одежду в стиле оп-арт и поп-арт, а также предложил смокинг для женщин и наряды в стиле "Африка" и "Сафари". Он смело сочетал самые яркие цвета, ярко-розовое платье дополняя канареечным пиджаком, комбинируя черный с коричневым, оранжевый с красным и фиолетовый с синим.
Еще один громкий дебют десятилетия - появление в мире моды итальянского "шейха шика" Валентино Гаравани. Получив образование в Париже, в конце 1950-х он вернулся в родную Италию, где открыл Дом мод, явивший миру ставшие легендарными фирменные красные платья. Яркие платья стали "визитной карточкой" Гаравани, а у красного цвета дизайнер различал тридцать оттенков. Громкий международный дебют Валентино состоялся в 1962 году, а в 1968-м вышла его знаменитая "белая коллекция", целиком состоящая из вещей белого цвета. Тогда же модельер впервые использовал логотип "V". Женственные платья от Валентино стали символами роскошной жизни, и звезды Голливуда заваливали кутюрье заказами. В 1968 году кружевное платье от Гаравани, в котором выходила замуж за Аристотеля Онассиса, попало на страницы практически всех ведущих изданий.
Название стиля оп-арт происходит от англ. «ор art», сокращения от optical art - «оптическое искусство». Это неоавангардистское течение абстрактного искусства возникло в 1950-х годах и получило широкое распространение в Европе и США в 1960-х. Оно стало одной из интеллектуальных альтернатив масс-медийному поп-арту.
Художники оп-арта, такие как Виктор Вазарели (Victor Vasarély), Бриджит Райли (Bridget Riley), Хесус Рафаэль Сото (Jesus Rafael Soto), Ричард Анушкевич (Richard Anuszkiewicz) и др., в своих произведениях создавали пространственные оптические иллюзии и имитацию движения с помощью многократно повторяющихся и перетекающих одна в другую простых геометрических фигур.
На фото: модель Versailles от фабрики Bisazza, дизайн Braga Marco.
Мало отразившись на архитектуре, оп-арт оказал большое влияние на графический дизайн и оформление интерьеров. Так, стены оклеивали разноцветными обоями с муаровыми и концентрическими узорами, имитирующими движение и вибрацию, или украшали большими настенными панно («Суперграфика»). Для зрительного увеличения объема помещения применяли различные оптические эффекты. Яркими примерами здесь могут служить знаменитый нарисованный бассейн и спускающаяся в него лестница с «настоящими» перилами, а также «дверь», приоткрытая в несуществующую комнату. Иллюзия пространственного перемещения, парения, слияния форм достигалась при помощи резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий. Часто применялись установки меняющегося света, динамические конструкции, использовались материалы сотражающей поверхностью (металл, стекло, пластик), различные ткани.
- 1 из 1
На фото:
В дизайне мебели преобладали плавные, изогнутые линии, контрастное сочетание цветов (белый – черный). Чаще всего она выполнялась из прозрачных материалов с отражающей поверхностью (стекло, пластик, переплетенные металлические нити каркаса).
Основные мотивы :
Комментировать в FB Комментировать в VK
Также в этом разделе
Чем может заинтересовать дизайнера и потребителя компания, производящая колонки для воспроизведения музыки рассказывает Олег Люгин, директор по развитию дистрибьюторской компании MMS Cinema.
Архитектурный стиль лофт, возникший из промышленных помещений, дает огромные возможности для фантазии. Именно здесь, в оживленных старинных фабричных зданиях, «производятся» самые креативные идеи.
Сегодня во многих российских домах появилось отдельное помещение для приема пищи. Но так было не всегда. Откуда берет свое начало столовая? Кто ее придумал, и почему она исчезла почти на столетие?
Массовому выпуску самых знаковых предметов повседневного быта предшествовали годы, а порой и десятилетия инженерных поисков. Представляем вам самые полезные изобретения для дома в истории.
В прежние века украшения новогодних ёлок символизировали евангельское предание, затем - достаток и богатство. А в XX веке по декору елей в России можно было узнать о ключевых событиях в жизни страны.
В наше время почти все родители стараются выделить для ребенка отдельную комнату. Но относительно недавно у детей не было собственных «апартаментов» или они сильно отличались от сегодняшних.
Название происходит от англ. hi-tech, сокращения от high technology – высокие технологии. Хай-тек известен также как промышленный стиль. Зародился на волне постмодернизма в Великобритании.
Постмодернистское направление в дизайне, возникшее в Великобритании в 1970-1980-х годах. Характеризуется отказом от проектирования предметов массового производства в пользу выпуска ограниченных
Название стиля происходит от сокращенного popular art (англ.) – популярное искусство. Второе значение слова связано со звукоподражательным англ. рop – отрывистый удар, хлопок, шлепок, т.е. нечто
Название происходит от фр. postmodernisme – после модернизма. Главной особенностью этого направления считается хаотическое использование элементов, заимствованных из исторических стилей прошлого.
Постмодернистская группа «Мемфис» (Memphis Group) была организована 11 декабря 1980 года в Милане дизайнерами Этторе Соттсассом (Ettore Sottsass), Андреа Бранци (Andrea Branzi) и Микеле де Лукки.
Термин восходит к франц. rococo, от rocaille - осколки камней, раковины. Рококо возник во Франции в первой половине XVIII века. Его расцвет (примерно 1725-1750 годы) пришелся на времена правления
Стиль в европейском искусстве и литературе XVII - начала XIX века. Название происходит от лат. classicus - образцовый и выражает суть стиля: он ориентирован на формы античного искусства как на
Основная концепция этого стиля – подражание природным формам и преимущественное использование натуральных материалов. Он зародился в рамках стиля модерн в начале XX века.
Сюрреализм (фр. surréalisme - сверхреализм) - художественное направление, сложившееся в рамках модернизма к началу 1920-х годов во Франции. Его основателем и идеологом считают писателя и поэта
Стиль, существовавший в 1920-х годах преимущественно в России (в архитектуре, оформительском, плакатном, театрально-декорационном искусстве, издательском деле, конструировании, дизайне).
Оп-арт (от английского понятия optical art) - создание посредством геометрических фигур иллюзии движения на плоской поверхности. При создании одежды стиль оп-арт используются яркие цвета контрастные между собой.
История появления
В 1938 году Виктор Вазарели представил свою картину «Зебры», которая стала первым культовым произведением в стиле оп-арт. Тогда же впервые новый геопринт стали использовать на сумках модного дома Hermes, но окончательную популярность стиль приобрел только в 1965 году, когда работы в нем были представлены в Нью-Йорке на выставке «The Responsive Eye».
В это же время на геометрический принт обратил свое внимание Ив Сен Лоран, который выпустил коллекцию коктейльных платьев прямого силуэта с яркими крупными клетками. У этих платьев был самый обычный и простой крой без рукавов и воротника. Название платья получили в честь вдохновителя - «Модриан».
За великим кутюрье последовали: создательница мини-юбок Мери Куант, Ларри Олдрич, Андре Курреж, - все они выпустили платья и аксессуары с необычными геометрическими принтами и формами в стиле оп-арт. Одновременно с выпуском коллекций этих дизайнеров, модные журналы стали печатать на своих страницах фото в одежде с узорами из квадратов, треугольников и ромбов. Геометрический принт в разных вариациях признали символом десятилетия.
В 2001 году произошло возрождение этого принта. Оп-арт в одежде появился на страницах французского Vogue. Через десять лет модельеры массово стали использовать этот стиль в одежде. Платья с геометрическими узорами были представлены всеми ведущими домами моды, а модельеры, работающие под брендом Луи Виттон, платья расшили ровными разноцветными камнями.
С чем и как носить одежду оп-арт?
Лучший способ выглядеть стильно - сочетать оп-арт в одежде с однотонными предметами гардероба. Так вы точно не перегрузите свой образ активными принтами и цветами.
Если вы обладаете от природы развитым чувством стиля, то можно грамотно миксовать разные геометрические принты в одном образе или надевать одежду оп-арт вместе с цветочными, ориентальными и анималистическими мотивами. Если вы хотите создать модный look с двумя геопринтами, то придерживайтесь правила одного цвета: оба предмета в гардеробе должны иметь хотя бы единственный общий оттенок.
Визуально такая одежда может скрыть практически любые недостатки фигуры, вытянуть силуэт и убрать лишние объемы. Чем проще будет скроена вещь, тем лучше она будет смотреться. При выборе одежды оп-арт необходима обязательная примерка. С ее помощью вы сможете оценить насколько хорошо смотрится образ.